Premiere Maskenball Staatsoper Berlin: Netrebko, Castronovo

30 Montag Mär 2026

Posted by in Anna Kissjudit, Anna Netrebko

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Gute Besetzung, leicht unplausible Inszenierung.

Der Spanier Rafael Villalobos zeigt Verdis sprühendes melodramma in tre atti als trostlose Vedute.

Die USA in decline, 80er, uralt-Bildschirme als müllige Sitzmöbel, Satellitenschüsseln, Reagan-Zeit. Moment, waren die 80er in Amerika nicht ein Jahrzehnt der Prosperität? Egal. Man sieht in Verdis Maskenball drei Akte lang einen desolaten Ruinensaal mit monumentalen Türen, die aussehen, als kämen sie direkt aus einer Produktion von Christof Loy, links je nach Szene eine Wäscherei oder eine goldig leuchtende Kammer mit großem Fenster. Die Ulrica managt einen Wahrsage-Kanal. Das orrido campo ist ein Dealerplatz, durch dessen zerbombte Decke ein Fernmeldemast aufragt. Hallo, Emanuele Sinisi (Bühne), das sind tolle Ideen, aber Blechkarren auf der Bühne sind so was von Anfang 2010er-Jahre. Oscar transt sich durch die Story und ist der genderflutschige Sproß von Renato und Amelia. Der Ball zeigt kesse Männer in Frauenkleidern. Kritik: Kann man so machen, wenn man unbedingt will. Wirkt aber etwas an den Regie-Haaren herbeigezogen. Also eine mittelschlechte Inszenierung.

Foto: Miguel Lorenzo und Mikel Ponce

Dem Riccardo von Charles Castronovo (einfallslos in Lederblouson und Bundfaltenhose, 2. Akt) geht etwas die von der Rolle geforderte Leichtigkeit und Eleganz ab. Pathos und Tiefe wirken stets leicht markiert, Kaufmann lässt grüßen. Canzone (Di‘ tu se fedele) und quintetto (È scherzo) fehlen die feinen Nuancen, stattdessen werden Akzente übertrieben, die Dynamik wirkt künstlich. Der Höhe fehlt schlankes Federn. Ist das schlechter Verdi-Stil? Castronovo wird im Laufe des Abends besser, am schönsten singt er in erregten Rezitativpassagen, und im zweiten Akt ist der Mann fast sein Geld wert.

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Sind halt aso, die jungen Leut – Jaja: Thielemann Rosenkavalier Staatsoper

29 Sonntag Mär 2026

Posted by in Julia Kleiter, Patricia Nolz

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Thielemann ist bei Rosenkavalier angekommen. Premiere war unter Mehta, dann dirigierte Mallwitz, zuletzt Kober.

Zu den Festtagen gibts Blumen im Foyer und Teppich auf dem Trottoir. Es singen Kleiter, Nolz, Hillebrand, Trekel, der Ochs ist Peter Rose.

Sängerisch lassen die drei Frauen kaum Wünsche offen. Drei klare, genau geführte, von feinem Klang bestimmte Stimmen. Niemand markiert oder machts pauschal. Es wird vokalgenau und vibratofein bis in den Silbenklang gesungen. Die Fürstin der Julia Kleiter wirkt verletzlicher, einsamer als vor Jahr und Tag die – bayerisch – handfestere Damrau. Federleicht der Monolog, Klang gewordene innere Entwicklung Die Zeit, die ist ein sonderbar. Die sich ganz natürlich bewegende Stimme oben und unten komplett. Große Momente: Allein, man muss sich auch vor ihr nicht fürchten. Im Terzett sticht Da steht der Bub weniger als sonst heraus. Kleiters Spiel derzeit konkurrenzlos, oder?

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Staatsoper Barbier von Sevilla: Viotti und Kent, Erraught und Maqungo plus Mastrototaro

22 Sonntag Mär 2026

Posted by in Marina Viotti, Tara Erraught

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Zwei verschiedene Besetzungen für Rossinis musikalische Komödie um die vernachlässigte, aber extrem lebenslustige Rosina in der verdienstvollen Inszenierung von Ruth Berghaus.

Im Februar singt Marina Viotti sensitiv und temperamentvoll, und der biestige Biss, den die Stimme bei cento trappole – den hundert Fallen – hat, verspricht für unerwünschte Verehrer wenig Gutes. Aber Alasdair Kent bleibt als verliebter Belcanto-Graf vokal blass, engstimmig und mit kurzer Höhe, und mit manierierten leisen Tönen beim Eheanbahnungständchen Se il mio nome. Andererseits klingt der Australier durchweg authentisch verknallt – und spielt exzellent: Kent näselt lustig, wenn er Bartolo zutextet, und näselt nicht, wenn er mit Rosina flirtet. Wunderbar. Keinen baritondröhnenen Super-Figaro, sondern einen intelligenen, fast lyrischen und sympathischen barbiere di qualità stellt Jaka Mihelač auf die Bühnenbretter, zumal mit leichter Stimme. Gefällt mir gut.

Bürgerliche Aufgeblasenheit, ausgestattet mit sprühendem Spiel und einer Sillabato-Schnelligkeit, wie sie nur Italiener können, gibt der Doktor Bartolo des Giulio Mastrototaro. Aber eben nicht nur bürgerliche Aufgeblasenheit, da ist bei Berghaus immer auch das Sub-Thema bürgerliches Selbstbewusstsein kontra adlige Willkür. Für den Basilio gibt Jongmin Park im Februar Schwärze und Volumen. Das gibt der Figur eine zwielichtige Dämonie.

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Vom Urlichtlein: Rattle, Staatskapelle, Mahler, Sinfonie Nr. 2

10 Dienstag Mär 2026

Posted by in Simon Rattle

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Simon Rattle dirigiert die Sinfonie Nr. 2 von Gustav Mahler bei der Berliner Staatskapelle.

Rattle-typisch intensiv gerät der Zugriff, zwingend umgesetzt die schier unendlichen Spannungsfluktuationen in den zyklopisch (über)dehnten Ecksätzen, entgrenzend die Kolossalstellen bis zum weißglühend aufgegrellten Totalklang des Finales. Tadellos das c-Moll-Scherzo mit den wunderschönen Ausflügen nach D- und E-Dur.

Die Solistinnen sind Christiane Karg, hervorragende Micaëla und Rusalka hier am Haus, und Karen Cargill mit großem Mezzosopran. Eindrucksvoll der Staatsopernchor.

Auf einmal steht da Thielemann. Umarmungen, drei Reden, alles kurz aber sehr herzlich, und schwupps ist Simon Rattle Ehrendirigent der Staatskapelle. Was Temperament und Dirigierstil angeht, dürfte es kaum weiter entfernte Persönlichkeiten geben als CT und SR.

Seitdem ich in Berlin bin, habe ich die Auferstehungssinfonie nun drei Mal gehört, stets mit Rattle, hier zum Beispiel. Das Werk saugt einen emotional komplett leer. Mir reicht es jetzt wieder bis vermutlich 2035, wenn Rattle sie mit Philharmonikern oder Staatskapelle erneut machen wird.

Weitere Kritik des Rattle-Mahlerkonzerts: „Ganz, ganz ernst“ (Andreas Göbel)

RSB/Jurowski: Brahms Dritte, Sibelius Pohjola, Eggert

10 Dienstag Mär 2026

Posted by in Wladimir Jurowski

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Das RSB schließt seinen Brahmszyklus ab. Zumindest den mit den Sinfonien. Denn der nun im Konzerthaus gespielten Sinfonie Nr. 3 folgt im April als Zyklusnachzügler noch das Klavierkonzert B-Dur, lustvoll sperrig kombiniert mit dem ersten Walküreakt.

Heute gibt es als weitere Programmzutat aber nicht Wagner, sondern erst mal Sibelius und – Eggert.

Bei Brahms bleibt sich Wladimir Jurowski treu: äußerlich gezügeltes, inwendig umso erfüllteres Tempo, bedachtvoll Aufbau und Ausschwingen der Klangbögen, weicher Impetus des Ausdrucks, Energieentfaltung gemäß der Spannungs- und Entspannungspunkte. Aber das RSB meistert auch Ungestüm bis zum Brachialen in den hymnischen Höhepunkt-Ballungen der Schlussgruppen. Und doch wird, untrügliches Zeichen für Top-notch-Brahms, beim Repriseneinsatz nicht wahllos Lautstärke verballert. Durch die im Finale investierte Energie wird die Perspektive der Dritten als Final-Symphonie gestärkt. Im Kopfsatz wird die Exposition wiederholt. Bytschkow in der exzellenten WDR-Aufzeichnung dürfte heute einer der wenigen sein, die nicht wiederholen.

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Glou, glou, glou, drig, drig, drig: Staatsoper Contes d’Hoffmann mit Bernheim

07 Samstag Mär 2026

Posted by in Benjamin Bernheim

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Benjamin Bernheim hören, heißt die Inszenierung von Lydia Steier zu ertragen. Diese ist schlecht, jener gut.

Als Hoffmann ist Bernheim an der Staatsoper Berlin von schlaksiger Kühle, verliebt sich ruckizucki und immer in die Falsche – und ruft dabei kaum Mitgefühl hervor. Bei Klein-Zack im Prolog hör ich nur halb zu. Je länger Bernheim singt, desto stärker entfaltet sich ein Singen von hohem Reiz, frei von expressiven Marotten, aber von hellstimmig jugendlichem Klang und bestechend schlanker Diktion. Den feurigen Liebhaber mimt er aber wirklich nicht. Dafür dominiert seine Höhe unangestrengt Orchester und Ensembles. Das leicht Nasale fügt eine qualité hinzu. O Dieu! de quelle ivresse – Venedig-Akt – ist besser als alles, was Bernheim beim Silvesterkonzert in der Philharmonie sang. Man versteht, welch umwerfender Werther er ist.

Die Damen sind ordentlich besetzt. Regina Koncz singt eine tadellose, aber brave Olympia (auch ein Automat dürfte mal dezent über die Stränge schlagen), Siobhan Stagg singt mit leicht hochgeregelter Emotion die Antonia, Sandra Laagus eine erwartbar anrüchige Giulietta. Als Herr der Bösewichte waltet Alex Esposito, der die vier Rollen italienisch auffasst, so wie bei der Premiere Tagliavini. Die Regie wandelt die Dämonie der Figur in die clowneske Show eines C-Teufels. Die Nicklausse Samantha Hankey ist klangvoll bei forte, und wenn es piano heißt etwas leise. Die Barcarole Belle nuit macht wenig Eindruck.

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Is halt vorbei: Deutsche Oper Der Schatzgräber

15 Sonntag Feb 2026

Posted by in Thomas J. Mayer

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Die Deutsche Oper zeigt derzeit hidden treasures der Austro-Oper um 1920. Während Violanta von Korngold in der aktuellen Besetzung in die Hose geht, ist Der Schatzgräber, „Oper in einem Vorspiel, vier Akten und einem Nachspiel“ von Franz Schreker, hörens- und sehenswert.

Komponiert zeitgleich mit Frau ohne Schatten, mit der Der Schatzgräber nicht nur die Anleihen beim Märchen teilt, sind Handlung und Personengefüge reicher als bei Strauss‘ Ungeborenen-Opus, aber mit König, Königin, Narr, Vogt ähnlich durchtypisiert.

Christof Loys Inszenierung bündelt die Handlungsfäden virtuos und kühl. Dazu strahlt das Bühnenbild in Schwarz, den Kolossalstil der Reichskanzlei ins granit-satt Dekorative wendend (Johannes Leiacker). Aber was soll man berichten, das Werk wird abgesetzt. Ausgezeichnet Tenor Daniel Johansson als Lauten-Barde Elis. Dessen etwas monochromes Metall erweist sich als effektives Gegengewicht zur allzu märchenhaft angelegten Figur. Das ist gut. Auch optisch, nämlich Säulen-schlank aufragend. Gut ist auch, wie Johansson Schrekers schweifend ausfahrenden Deklamationsstil bändigt. Problematisch Olesya Golownewa als männermordende Kleptomanin Els. Golownewa singt wenig verständlich und, bei prinzipiell guter Stimme, ohne Flair.

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Bitte, blow me blau und Violanta: Deutsche Oper

14 Samstag Feb 2026

Posted by in Ólafur Sigurdarson

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Ein Opernabend der inferior class, für den es auch keine Bonus-Meilen gibt.

Die Inszenierung von Violanta durch David Hermann ist mittel bis unteres Niveau. Die Tänzer sehen aus wie eine Mischung aus Triadischem Ballett von Schlemmer und Hähnchenschlegel von Tönnies, die Militärs erinnern an eine Erstsemester-Startrek-Party. Wahrscheinlich ist die Idee auch nicht gut, bei einer Oper, die keiner kennt, den Schluss komplett neu zu gestalten.

Das ginge, wenn die Gesangsleistungen nicht ungenügend wären. Violanta singt Laura Wilde indiskutabel leise, die Höhe heult, sie ist ärgerlich unverständlich. Lispelt sie? Ich verstehe bei Wilde literally kaum ein Wort. Die Stimmfarbe erinnert an Sara Jakubiak.

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Mario mio, Tosca mia: Beczała, Kurzak, Popelka an der Staatsoper

11 Mittwoch Feb 2026

Posted by in Piotr Beczala

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Eine neue Tosca – neue Besetzung wohlgemerkt, nicht Produktion – an der Staatsoper Berlin, diesmal mit den Doppelpolen Kurzak und Beczała als todgeweihtem Künstlerpaar der Napoleonzeit – sie Sängerin, er pittore.

Als Cavaradossi präsentiert sich Piotr Beczała in quasi-olympischer Form. Die Tenorstimme tönt intakt und ausgeruht, Recondita armonia und È lucevan reicht der Pole makellos dar. Der Ton ist schlank und fest, darüber liegt, Metall und Farbe aufregend mischend, der Schimmer wie von Bronze. Anders als Grigolo vor 4 Wochen operiert Beczała mit viel Formsinn und akkuratester Noblesse. Man hört sogar einen Hauch Heroismus. Selten kann man bei Puccini von Klassizismus sprechen, hier in der Staatsoper nun aber schon. Denn die spontane Gesangsgeste wird weit zurückgedrängt. Deshalb vermutlich auch das Buh im Jubel-Taifun (Taifun nach Berliner Verhältnissen, nicht nach Wiener, da hätte man sich eine Wiederholung, die ich gern gehört hätte, erklatscht) nach der Arie im 3. Akt.

Ähnlich das Spiel von Piotr Beczała, nämlich auf Nummer sicher, eine Geste hier, eine Schrittbewegung da. Kein romantischer pittore, aus dem es heraussprudelt, sondern ein arrivierter Maler mit hinreichender Staatspension. Dennoch ist Beczała ein Meister seines Fachs, wie es kaum einen gibt, und man ist sehr dankbar, ihn Unter den Linden zu hören. Ganz großer Stil, wie er als Dank für den Beifall nach Recondita diskret die Malvorlage busserlt.

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A tempo (wie anfangs) zart hervortretend: Bruckner 8. beim RSB

07 Samstag Feb 2026

Posted by in Wladimir Jurowski

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Da war doch was. Richtig, die Philharmoniker hatten letzte Saison Anton Bruckner satt auf dem Tablett (und lassen diese Saison nur Blomstedt mit der Siebten ran). Jetzt erlebt man im Konzerthaus das RSB als Bruckner-Nachzügler. Und als Vorreiter in Sachen Qualität und Tiefgang. Im Januar gab es die Zweite mit dem RSB-Neuling Urjupin, jetzt also mit Wladimir Jurowski die Sinfonie Nr. 8.

Es ist an diesem frostfreien, schneematschvollen Freitagabend ein Bruckner aus dem Unverpackt-Laden. Unbehauen und unbeschliffen. Eleganz ist Neben-, Ausdruck Hauptsache.

Vladimir Jurowski Berlin RSB Konzert Konzerthaus am Gendarmenmarkt
Der Orchesterleiter nach getaner Arbeit

Doch bei der „Achten“ geht es immer erstmal ums Verständnis und dann erst um die Interpretation. Da ordnen sich selbst die Mega-Highlights – Todesverkündigung und Totenuhr, Zweikaisertreffen und Kosakenritt, Franz-Joseph-Fanfare und Protz-Auftritt aller Hauptthemen auf einmal – in die weitläufigen, symphonischen Abläufe ein.

Beim Rundfunk-Sinfonierochester Berlin gleichen die Themen des Adagio riesenhaften Rezitativen. Und die Klimaxe, Kulminations- und Kataraktpunkte – die Haas-Edition fordert 17 Mal forte-fortissimo – sorgen Werk-weit für schroff aufgegrellte Wucht. Wladimir Jurowski lässt sich mehr Zeit als Thielemann, Nelsons, Rattle und selbst Mehta. Und dennoch gerät der erste Satz, trotz Posaunen-Glanz und Tuba-Gloria, aufregend kompakt.

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Wer log? Lohengrin Staatsoper mit Koch, Kampe, Pape, van den Heever

03 Dienstag Feb 2026

Posted by in Elza van den Heever

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Der Lohengrin an der Berliner Staatsoper ist hörenswert.

Aber nicht immer sehenswert. Simone Young dirigiert.

Für die Herzogin in spe hat Elza van den Heever herbes Timbre – und wenig jungfräulichen Klang. Im Brautgemach, bei Calixto Bieito Kunstrasen-Flokati in Fabrikhalle, spielt sie mitreißend. Ihr Prunkstück ist die Höhe. Mit ihr dominiert van den Heever die Ensembles. Ihr Manko ist das unnatürliche Deutsch. Und über dem F ist sie unverständlich. Sorry, ein Vergleich mit den letzten Elsas, Nylund und Miknevičiūtė, fällt zu ihren Ungunsten aus.

Den Titelritter mimt zuerst Cutler, dann Bruns. Eric Cutler singt sorgfältig, mit gefühlvoller Halbstimme und energischem (Grals-)Leuchten in der Höhe. Das macht Freude. Aber das heroische Rezitativ (Euch Volk und Edlen mach ich kund) klingt wie Pappmaché, dazu die Diktion parfümiert. Gut Das süße Lied, auch wenn der Ton eng ist, und das Vibrato shaky. Gut gemeckert, aber immerhin mit lyrischem Zauber. Inakzeptabel find ich Wie hehr erkenn‘ ich, schwammiges Deutsch, Schluchzer, larmoyante Drücker. Anfang Februar springt Benjamin Bruns ein, der wohlverständlich wie Klaus-Florian Vogt und blitzsauber singt, doch mit noch weniger Farbe als Vogt. Bruns startet mit viel Schwanenritter-Flair, im 3. fehlen dann Schmelz und Poesie.

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Petrenko und Jansen mit Brahms

31 Samstag Jan 2026

Posted by in Kirill Petrenko

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Das Violinkonzert von Brahms mit den Berliner Philharmonikern.

Einiges im Kopfsatz, was Janine Jansen spielt, ist komplett prätentiös und theatralisch. Etwa das rhythmische Doppelgriff-Seitenthema, das zweite der lyrischen Themen (Vibrato), oder die wilde Nonen-Stelle in der Durchführung. Hier und in der Kadenz huldigt Jansen unnötiger Egozentrik des Ausdrucks. Aber sonst ist das Spiel mega. Die Phrasierung unheimlich sicher und fantasievoll. Den Beginn der Durchführung nimmt sie ganz frei, ihr Pianissimo trägt selbst im Riesen-Weinberg der Philharmonie. Muss es immer die Kadenz von Joachim sein?

Die geschlagenen zwei Minuten Orchestereinleitung im Adagio stellen – wie die Einleitung des langsames Satzes im 2. Klavierkonzert, das Bronfman beim RSB spielen wird – eines der Paradebeispiele eines peniblen norddeutsch-protestantischen Sentimentalismus dar. Frau Jansen spielt traumhaft.

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Berlin Ultraschall Festival: Hèctor Parra, Trio Accanto, Ensemble Mosaik, DSO

19 Montag Jan 2026

Posted by in Georges Aperghis, Michael Wendeberg, Mirela Ivičević

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Dieser Bericht bündelt die Konzerte der letzten zwei Festivaltage.

Hier die Eindrücke von Mittwoch bis Freitag.

Am Samstag, am Festivaltag 4, geht’s für den Spanier Hèctor Parra zurück ins Radialsystem. Das Porträtkonzert Parra zählt zu den informativsten Konzerten von Ultraschall Berlin 2026. Es bringt die Sonate (2010, 22′) und Cell (Arch of Hysteria) (2016), beides für Klavier, sowie drittes und viertes Streichquartett. Die Sonate spielt Michael Wendeberg. In der unablässigen Mehrstimmigkeit in der Art eines sich selbst regelnden Kontinuums liegt ein unwiderstehliches Faszinosum. Das Werk wirkt bedeutend. Einmaliges Hören macht jedoch ein Urteil unmöglich. Das 4. Streichquartett (2020, 17′) bündelt in ähnlicher Weise hektisches Vorwärtsdrängen und Unabhängigkeit der Stimmen. Dazu kommen ein nervöser Überdruck und flirrende Klanglichkeit. Es interpretiert das Fabrik Quartet. Das Werk wirkt um einige Grade konventioneller.

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Staatsoper Tosca: catch Grigolo wenn du kannst

16 Freitag Jan 2026

Posted by in Vittorio Grigolo

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Puccinis Tosca an der Staatsoper.

Reicht der schusselige Mesner Cavaradossi endlich die Farben, klingt der Tenor von Vittorio Grigolo noch steif wie ein Baustellenzaun (Recondita armonia). Dann kommt Tosca, und bei Quale occhio ist Grigolo hyperlyrisch, die Dynamik extrem sorgfältig, fast manieriert. Jede Silbe bleibt blendend verständlich, Grigolo singt mit weicher Glut, Verve und – Verhaltenheit. Der Höhepunkt ist, was in Tosca eigentlich nie passiert, È lucevan le stelle.

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Visions of Was weiß ich: Ultraschall Berlin Festival 2026

15 Donnerstag Jan 2026

Posted by in Enno Poppe, Mirela Ivičević

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Da ist man wieder, Festival-vergnügt und Neue-Musik-bedürftig, und hofft auf krassen Input und hemmungslose Innovation. Anders ausgedrückt: auf fünf anständige Festivaltage beim Berliner Ultraschall-Festival.

Nach alter, 2014 (damals aber noch mit „Prolog“ im Berghain) etablierter Festivaltradition beginnt das Festival – die Neue Musik bedarf der Traditionen – im Haus des Rundfunks mit dem Orchesterkonzert. Also Arschbacken zusammenkneifen und rein ins Vergnügen. Das DSO startet mit einem Werk des wenig gespielten US-Amerikaners Stephen Alexander Chambers (später Talib Rasul Hakim). Im Zentrum von Visions of Ishwara stehen Steigerungswellen, die von störrischen Wiederholungen von Orchsterrufen wimmeln (1970, 9′). Woraufhin das Werk zu den frugalen Flötenlinien des Anfangs zurückkehrt. Von der Aussage her konzentriert, ja rätselhaft, besitzt Visions of Ishwara eine Weite, die reinhaut. Dazu kommt die klare Dramaturgie. Was man von Lauf von Zeynep Gedizlioğlu kaum sagen kann (2022, 13′). Kritik? Das tönt bunt, spritzig, nervös Glissando-überzuckert. Und etwas sorglos zusammengebaut.

DSO mit Albrecht: frugale Visions

Ich höre über Deutschlandfunk.

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