Witten 2026 II: Staud, Mason, Posadas, Lazkano, Klartag, Czernowin, Torvund, Fujikura

28 Dienstag Apr 2026

Posted by in Dai Fujikura

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Der Samstag in Witten an der schönen blauen Ruhr beginnt wie der Freitag aufhörte, nämlich mit Blechbläserquintett. Der Komponist heißt jetzt Johannes Maria Staud, das Werk Jagende Wolken, Blendendes Blau! Es beweist Temperament. Und handfeste Vielstimmigkeit, ironisch vermischt mit Trompeten-Eclats und Tuben-Trance (2025, 12′, dtEA). Sechs kurze Sätze. Es spielt erneut das Ensemble Schwerpunkt. Dann übernimmt das Quatuor Diotima, es führt Werke von Kourliandski und Mason urauf.

In eigener Sache: Funny Google sperrt meine Berichte über Witten. Hier Bericht zum Festivalfreitag in Witten lesen!

Noch mal Schwerpunkt / Quatuor Diotima: Quintett von Staud, Streichquartette von Kourliandski, Mason

Von Dmitri Kourliandski kommt das Streichquartett Partially Restored Landscapes, ein Werk der Knarzereignisse und Kritzelklänge, zum Teil simultan geführt mit Musikergebrumm. Zu hören ist vage Kolibri- und Asselhaftes, alles klanglich und gestisch sehr spartanisch, alles sehr reduziert, ausgehend von Geheimsignalen von Kurzwellensendern (2026, 28′, UA). Zahlreiche durch Pausen getrennte kurze Abschnitte. Bestenfalls halb gut. Das vorwiegend leise Towards a not yet Remembered Past des Briten Christian Mason holt aktuelle Gegenwart aus 14.-Jahrhundert-Musik (2026, 35′, UA). Das Ergebnis wirkt rätselhaft und konturenvage, zartdünn die Linien. Das Werk ist nicht ohne Reiz. Sieben Sätze. Nur wenige Stellen klingen nach 1350. Meist erreicht Mason ein Gleichgewicht aus Klangsensibilität und abstrakter Lineatur. Die Kritik: zwei ganz gute, ein unnötiges Stück.

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Wittener Tage für neue Kammermusik 2026 I

28 Dienstag Apr 2026

Posted by in Enno Poppe, Johannes Kalitzke

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Zeit für die Wittener Tage 2026.

Lassen wir Motto und konzeptuelles Einframen des Neue-Musik-Festivals mal beiseite und gucken, was in Witten wummert.

In eigener Sache: Funny Google hatte meinen Bericht über Witten 24 Stunden lang gesperrt. Deshalb erneut, d.h. zum zweiten Mal hochgeladen, diesmal aber nur das erste Drittel des Berichts in der Hoffnung, dass Google diese Version nicht gesperrt. Der zweite Teil wird dann nachgereicht.

Klangforum Wien: Illés, Mundry, Czernowin

Den Start macht im Theatersaal des Saalbaus das Klangforum aus Wien unter der Leitung von Elena Schwarz. Die bringen mit Illés, Mundry und Czernowin drei bekannte Namen mit an die Ruhr. Zuerst Four sketches von Márton Illés, wo die Klangideen flitzen und sich zu rokokohaft beschwingten Klangräumen fügen (2026, 28′, UA). Das ist nicht jener rhythmisch explosive, dauerenergetische Stil, den man von Illés kennt. Die Vier Skizzen sind verspielter, bis zum Arabeskenhaften. Widerstandslos taucht der Zuhörer in glitzernde Farbräume ein. Das hat die überperfekte Neatness von iPhone-Pics. Stellenweise gut, aber immer schlecht, wenn die Musiker auch noch keuchen. Es folgt Isabel Mundry mit The I’s (2026, 25′, UA). Das „Die Ichs“-Stück positioniert sich zwischen von Lautsprechern eingespielten Aufnahmen von Menschengruppen und live gesungenem Text (Hélène Fauchère, Mezzosopran). Es ist angenehm locker gefügt, leistet sich aber Länge. Und wirkt beliebig. Wozu akrobatisch gesungener Text (französisch), wenn ich kaum eine Silbe verstehe?

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Ariadne: Nylund, Wallroth, Jentzsch, Trekel, Sáenz

24 Freitag Apr 2026

Posted by in Camilla Nylund, Roman Trekel, Serena Sáenz Molinero

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Richard Straussens Ariadne auf Naxos hat ein paar Besonderheiten. Nicht nur, dass ein Großteil der Hauptfiguren des Vorspiels in der eigentlichen „Oper“ nicht mehr auftaucht. Gibt es eine Oper, in der beide Hauptpersonen anfangs keinen Schimmer haben, wen sie da eigentlich vor sich haben? Und in der die Titelheldin ihren Liebsten zwischenzeitlich auch noch mit dem Ex verwechselt? Hofmannsthal eben.

Camilla Nylund ist sehr gut. Wegen ihr kommt man. Bei Nylund ist alles da, laut und leise, Gefühl und Pathos. Sie hat immer den richtigen Ton, bildet immer beides ab, (Menschen-)Frau und (antike) Göttin, Gegenwart der Trauer und Ferne des Glücks. Der Bacchus ist eine selbstmörderische Tenorpartie, aber immerhin eine wichtige. In Salome, Elektra oder Rosenkavalier zählt der Bariton meist mehr als der Tenor. Marco Jentzsch (schlank, sehr ansehnlich) bewältigt sie hell, leicht und höhensicher, er macht das mit mehr Ernst und Leichtigkeit, aber nicht weniger zufriedenstellend, als es Andreas Schager mit seinem jovialen Elan machte. Der Musiklehrer von Roman Trekel stellt einen rührend mitfühlenden Idealisten dar, aber einen mit Pragmatismus. Dessen fabelhaft engagierte Sangesrede ist top.

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RSB, Brahms, Hough, Walküre, Roberts, Bäckström, Kares

19 Sonntag Apr 2026

Posted by in Irene Roberts, Mika Kares

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Das Klavierkonzert Nr. 2 von Brahms im Konzerthaus am Gendarmenmarkt.

Der englische Pianist Stephen Hough ersetzt den US-Amerikaner Yefim Bronfman, das ist ungefähr so, als wäre Artemis 2 nicht vor Kalifornien, sondern in der Themse irgendwo zwischen Oxford und Reading gelandet. Wie spielt Hough das B-Dur-Konzert? Hellstimmig und pointierend. Man merkt, woher der Brahms-Wind weht. Hough ist am Flügel ein unerbittlicher, enorm intelligenter Kommentator, dazu spritzen metallisch die Triller-Exzesse (1. Satz, in Expo und Reprise jeweils vor dem Schluss-Tutti). Was sehr oft an der Grenze zum Trockenen ist. Konventionell spätromantischer Klang? Never ever. Der Pianist Hough ist ein Klangeinbettungsverweigerer. Er spielt bei Weitem nicht fehlerfrei, darf man als kurzfristiger Einspringer aber.

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Thielemann Staatskapelle: Strauss Lieder Julia Kleiter, Konstantin Krimmel, Beethoven 6.

14 Dienstag Apr 2026

Posted by in Christian Thielemann, Julia Kleiter

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Orchesterlieder von Richard Strauss mit Kleiter und Krimmel. Die Staatskapelle Berlin spielt. Die Strausslieder mischen Bekanntes und weniger Bekanntes.

Aus dem hinreichend bekannten op. 27 kommen die Nummern 1 und 4, beide singt Julia Kleiter. Ruhe meine Seele ist von bekenntnishafter Kraft (Henckell, Nicht ein Lüftchen), hat große dynamische Gegensätze. Wenn in Strophe drei Herz und Hirn in Not sind, so ist es Kleiters Sopran gerade nicht. Morgen ist hingegen eine „lichte Glücksvision“ (Mackay, Und morgen wird). Moment. Singt Kleiter Morgen etwa als Zwiegespräch? Und nicht wie Fleming mit einem komplizenhaften Lächeln in der Stimme. Sondern als leises, konzentriertes Zwiegespräch mit dem Zuhörer im Saal. Irre.

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Das Pankegold: Petrenko, Rheingold, Berliner Philharmoniker

11 Samstag Apr 2026

Posted by in Christian Gerhaher

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Das Rheingold gibts oft in Berlin, auch wenn hier nur die Panke fließt. Jetzt auch mit Petrenko und den Berliner Philharmonikern.

Das Orchester: fokussiert die Knallpunkte, makellos herrlich die Details. Das Vorspiel atmet reines Wasserstoff-Es-Dur. Der erwachende Wotan lagert auf den Posaunen des Walhallmotivs wie auf einer wunderbar weichen Matratze. Die Leitmotive? Von den Philharmonikern wie von Echtzeit-KI in den Saal gerendert. Blendend die Musik zur Fahrt nach Nibelheim. Funkelnd das Tempo zum Nibelheim-Talk zwischen Alberich, Loge und Wotan. Es ist die unglaubliche Perfektion der konzertanten Aufführung.

Der Wotan von Christian Gerhaher ist Raisonneur, keine Macht-Type, eher Lars Eidinger als Michael Volle, eher Schaubühne als Walhalla. Gerhahers Pathos (Vollendet das ewige Werk, Abendlich strahlt) hat was von Karikatur, die Höhe meckernd (die „e“s), die Tiefe markiert. Fischer-Dieskau wirkte, wenn den Tondokumenten zu trauen ist, auf der Opernbühne ähnlich. Ein Wotan wie ein Loge. Auf seine Art ist Gerhahers Wotan dennoch einzigartig. Toll Sachen wie Geheimnis-hehr hallt mir dein Wort.

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Premiere Maskenball Staatsoper Berlin: Netrebko, Castronovo

30 Montag Mär 2026

Posted by in Anna Kissjudit, Anna Netrebko

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Gute Besetzung, leicht unplausible Inszenierung.

Der Spanier Rafael Villalobos zeigt an der Staatsoper Berlin Verdis sprühendes melodramma in tre atti als trostlose Vedute.

Die USA in decline, 80er, uralt-Bildschirme als müllige Sitzmöbel, Satellitenschüsseln, Reagan-Zeit. Moment, waren die 80er in Amerika nicht ein Jahrzehnt der Prosperität? Egal. Man sieht in Verdis Maskenball drei Akte lang einen desolaten Ruinensaal mit monumentalen Türen, die aussehen, als kämen sie direkt aus einer Produktion von Christof Loy, links je nach Szene eine Wäscherei oder eine goldig leuchtende Kammer mit großem Fenster. Die Ulrica managt einen Wahrsage-Kanal. Das orrido campo ist ein Dealerplatz, durch dessen zerbombte Decke ein Fernmeldemast aufragt. Hallo, Emanuele Sinisi (Bühne), das sind tolle Ideen, aber Blechkarren auf der Bühne sind so was von Anfang 2010er-Jahre. Oscar transt sich durch die Story und ist der genderflutschige Sproß von Renato und Amelia. Der Ball zeigt kesse Männer in Frauenkleidern. Kritik: Kann man so machen, wenn man unbedingt will. Wirkt aber etwas an den Regie-Haaren herbeigezogen. Also eine mittelschlechte Inszenierung.

Foto: Miguel Lorenzo und Mikel Ponce

Dem Riccardo von Charles Castronovo (einfallslos in Lederblouson und Bundfaltenhose, 2. Akt) geht etwas die von der Rolle geforderte Leichtigkeit und Eleganz ab. Pathos und Tiefe wirken stets leicht markiert, Kaufmann lässt grüßen. Canzone (Di‘ tu se fedele) und quintetto (È scherzo) fehlen die feinen Nuancen, stattdessen werden Akzente übertrieben, die Dynamik wirkt künstlich. Der Höhe fehlt schlankes Federn. Ist das schlechter Verdi-Stil? Castronovo wird im Laufe des Abends besser, am schönsten singt er in erregten Rezitativpassagen, und im zweiten Akt ist der Mann fast sein Geld wert.

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Sind halt aso, die jungen Leut – Jaja: Thielemann Rosenkavalier Staatsoper

29 Sonntag Mär 2026

Posted by in Julia Kleiter, Patricia Nolz

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Thielemann ist bei Rosenkavalier angekommen. Premiere war unter Mehta, dann dirigierte Mallwitz, zuletzt Kober.

Zu den Festtagen gibts Blumen im Foyer und Teppich auf dem Trottoir. Es singen Kleiter, Nolz, Hillebrand, Trekel, der Ochs ist Peter Rose.

Sängerisch lassen die drei Frauen kaum Wünsche offen. Drei klare, genau geführte, von feinem Klang bestimmte Stimmen. Niemand markiert oder machts pauschal. Es wird vokalgenau und vibratofein bis in den Silbenklang gesungen. Die Fürstin der Julia Kleiter wirkt verletzlicher, einsamer als vor Jahr und Tag die – bayerisch – handfestere Damrau. Federleicht der Monolog, Klang gewordene innere Entwicklung Die Zeit, die ist ein sonderbar. Die sich ganz natürlich bewegende Stimme oben und unten komplett. Große Momente: Allein, man muss sich auch vor ihr nicht fürchten. Im Terzett sticht Da steht der Bub weniger als sonst heraus. Kleiters Spiel derzeit konkurrenzlos, oder?

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Staatsoper Barbier von Sevilla: Viotti und Kent, Erraught und Maqungo plus Mastrototaro

22 Sonntag Mär 2026

Posted by in Marina Viotti, Tara Erraught

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Zwei verschiedene Besetzungen für Rossinis musikalische Komödie um die vernachlässigte, aber extrem lebenslustige Rosina in der verdienstvollen Inszenierung von Ruth Berghaus.

Im Februar singt Marina Viotti sensitiv und temperamentvoll, und der biestige Biss, den die Stimme bei cento trappole – den hundert Fallen – hat, verspricht für unerwünschte Verehrer wenig Gutes. Aber Alasdair Kent bleibt als verliebter Belcanto-Graf vokal blass, engstimmig und mit kurzer Höhe, und mit manierierten leisen Tönen beim Eheanbahnungständchen Se il mio nome. Andererseits klingt der Australier durchweg authentisch verknallt – und spielt exzellent: Kent näselt lustig, wenn er Bartolo zutextet, und näselt nicht, wenn er mit Rosina flirtet. Wunderbar. Keinen baritondröhnenen Super-Figaro, sondern einen intelligenen, fast lyrischen und sympathischen barbiere di qualità stellt Jaka Mihelač auf die Bühnenbretter, zumal mit leichter Stimme. Gefällt mir gut.

Bürgerliche Aufgeblasenheit, ausgestattet mit sprühendem Spiel und einer Sillabato-Schnelligkeit, wie sie nur Italiener können, gibt der Doktor Bartolo des Giulio Mastrototaro. Aber eben nicht nur bürgerliche Aufgeblasenheit, da ist bei Berghaus immer auch das Sub-Thema bürgerliches Selbstbewusstsein kontra adlige Willkür. Für den Basilio gibt Jongmin Park im Februar Schwärze und Volumen. Das gibt der Figur eine zwielichtige Dämonie.

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Vom Urlichtlein: Rattle, Staatskapelle, Mahler, Sinfonie Nr. 2

10 Dienstag Mär 2026

Posted by in Simon Rattle

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Simon Rattle dirigiert die Sinfonie Nr. 2 von Gustav Mahler bei der Berliner Staatskapelle.

Rattle-typisch intensiv gerät der Zugriff, zwingend umgesetzt die schier unendlichen Spannungsfluktuationen in den zyklopisch (über)dehnten Ecksätzen, entgrenzend die Kolossalstellen bis zum weißglühend aufgegrellten Totalklang des Finales. Tadellos das c-Moll-Scherzo mit den wunderschönen Ausflügen nach D- und E-Dur.

Die Solistinnen sind Christiane Karg, hervorragende Micaëla und Rusalka hier am Haus, und Karen Cargill mit großem Mezzosopran. Eindrucksvoll der Staatsopernchor.

Auf einmal steht da Thielemann. Umarmungen, drei Reden, alles kurz aber sehr herzlich, und schwupps ist Simon Rattle Ehrendirigent der Staatskapelle. Was Temperament und Dirigierstil angeht, dürfte es kaum weiter entfernte Persönlichkeiten geben als CT und SR.

Seitdem ich in Berlin bin, habe ich die Auferstehungssinfonie nun drei Mal gehört, stets mit Rattle, hier zum Beispiel. Das Werk saugt einen emotional komplett leer. Mir reicht es jetzt wieder bis vermutlich 2035, wenn Rattle sie mit Philharmonikern oder Staatskapelle erneut machen wird.

Weitere Kritik des Rattle-Mahlerkonzerts: „Ganz, ganz ernst“ (Andreas Göbel)

RSB/Jurowski: Brahms Dritte, Sibelius Pohjola, Eggert

10 Dienstag Mär 2026

Posted by in Wladimir Jurowski

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Das RSB schließt seinen Brahmszyklus ab. Zumindest den mit den Sinfonien. Denn der nun im Konzerthaus gespielten Sinfonie Nr. 3 folgt im April als Zyklusnachzügler noch das Klavierkonzert B-Dur, lustvoll sperrig kombiniert mit dem ersten Walküreakt.

Heute gibt es als weitere Programmzutat aber nicht Wagner, sondern erst mal Sibelius und – Eggert.

Bei Brahms bleibt sich Wladimir Jurowski treu: äußerlich gezügeltes, inwendig umso erfüllteres Tempo, bedachtvoll Aufbau und Ausschwingen der Klangbögen, weicher Impetus des Ausdrucks, Energieentfaltung gemäß der Spannungs- und Entspannungspunkte. Aber das RSB meistert auch Ungestüm bis zum Brachialen in den hymnischen Höhepunkt-Ballungen der Schlussgruppen. Und doch wird, untrügliches Zeichen für Top-notch-Brahms, beim Repriseneinsatz nicht wahllos Lautstärke verballert. Durch die im Finale investierte Energie wird die Perspektive der Dritten als Final-Symphonie gestärkt. Im Kopfsatz wird die Exposition wiederholt. Bytschkow in der exzellenten WDR-Aufzeichnung dürfte heute einer der wenigen sein, die nicht wiederholen.

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Glou, glou, glou, drig, drig, drig: Staatsoper Contes d’Hoffmann mit Bernheim

07 Samstag Mär 2026

Posted by in Benjamin Bernheim

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Benjamin Bernheim hören, heißt die Inszenierung von Lydia Steier zu ertragen. Diese ist schlecht, jener gut.

Als Hoffmann ist Bernheim an der Staatsoper Berlin von schlaksiger Kühle, verliebt sich ruckizucki und immer in die Falsche – und ruft dabei kaum Mitgefühl hervor. Bei Klein-Zack im Prolog hör ich nur halb zu. Je länger Bernheim singt, desto stärker entfaltet sich ein Singen von hohem Reiz, frei von expressiven Marotten, aber von hellstimmig jugendlichem Klang und bestechend schlanker Diktion. Den feurigen Liebhaber mimt er aber wirklich nicht. Dafür dominiert seine Höhe unangestrengt Orchester und Ensembles. Das leicht Nasale fügt eine qualité hinzu. O Dieu! de quelle ivresse – Venedig-Akt – ist besser als alles, was Bernheim beim Silvesterkonzert in der Philharmonie sang. Man versteht, welch umwerfender Werther er ist.

Die Damen sind ordentlich besetzt. Regina Koncz singt eine tadellose, aber brave Olympia (auch ein Automat dürfte mal dezent über die Stränge schlagen), Siobhan Stagg singt mit leicht hochgeregelter Emotion die Antonia, Sandra Laagus eine erwartbar anrüchige Giulietta. Als Herr der Bösewichte waltet Alex Esposito, der die vier Rollen italienisch auffasst, so wie bei der Premiere Tagliavini. Die Regie wandelt die Dämonie der Figur in die clowneske Show eines C-Teufels. Die Nicklausse Samantha Hankey ist klangvoll bei forte, und wenn es piano heißt etwas leise. Die Barcarole Belle nuit macht wenig Eindruck.

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Is halt vorbei: Deutsche Oper Der Schatzgräber

15 Sonntag Feb 2026

Posted by in Thomas J. Mayer

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Die Deutsche Oper zeigt derzeit hidden treasures der Austro-Oper um 1920. Während Violanta von Korngold in der aktuellen Besetzung in die Hose geht, ist Der Schatzgräber, „Oper in einem Vorspiel, vier Akten und einem Nachspiel“ von Franz Schreker, hörens- und sehenswert.

Komponiert zeitgleich mit Frau ohne Schatten, mit der Der Schatzgräber nicht nur die Anleihen beim Märchen teilt, sind Handlung und Personengefüge reicher als bei Strauss‘ Ungeborenen-Opus, aber mit König, Königin, Narr, Vogt ähnlich durchtypisiert.

Christof Loys Inszenierung bündelt die Handlungsfäden virtuos und kühl. Dazu strahlt das Bühnenbild in Schwarz, den Kolossalstil der Reichskanzlei ins granit-satt Dekorative wendend (Johannes Leiacker). Aber was soll man berichten, das Werk wird abgesetzt. Ausgezeichnet Tenor Daniel Johansson als Lauten-Barde Elis. Dessen etwas monochromes Metall erweist sich als effektives Gegengewicht zur allzu märchenhaft angelegten Figur. Das ist gut. Auch optisch, nämlich Säulen-schlank aufragend. Gut ist auch, wie Johansson Schrekers schweifend ausfahrenden Deklamationsstil bändigt. Problematisch Olesya Golownewa als männermordende Kleptomanin Els. Golownewa singt wenig verständlich und, bei prinzipiell guter Stimme, ohne Flair.

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Bitte, blow me blau und Violanta: Deutsche Oper

14 Samstag Feb 2026

Posted by in Ólafur Sigurdarson

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Ein Opernabend der inferior class, für den es auch keine Bonus-Meilen gibt.

Die Inszenierung von Violanta durch David Hermann ist mittel bis unteres Niveau. Die Tänzer sehen aus wie eine Mischung aus Triadischem Ballett von Schlemmer und Hähnchenschlegel von Tönnies, die Militärs erinnern an eine Erstsemester-Startrek-Party. Wahrscheinlich ist die Idee auch nicht gut, bei einer Oper, die keiner kennt, den Schluss komplett neu zu gestalten.

Das ginge, wenn die Gesangsleistungen nicht ungenügend wären. Violanta singt Laura Wilde indiskutabel leise, die Höhe heult, sie ist ärgerlich unverständlich. Lispelt sie? Ich verstehe bei Wilde literally kaum ein Wort. Die Stimmfarbe erinnert an Sara Jakubiak.

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Mario mio, Tosca mia: Beczała, Kurzak, Popelka an der Staatsoper

11 Mittwoch Feb 2026

Posted by in Piotr Beczala

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Eine neue Tosca – neue Besetzung wohlgemerkt, nicht Produktion – an der Staatsoper Berlin, diesmal mit den Doppelpolen Kurzak und Beczała als todgeweihtem Künstlerpaar der Napoleonzeit – sie Sängerin, er pittore.

Als Cavaradossi präsentiert sich Piotr Beczała in quasi-olympischer Form. Die Tenorstimme tönt intakt und ausgeruht, Recondita armonia und È lucevan reicht der Pole makellos dar. Der Ton ist schlank und fest, darüber liegt, Metall und Farbe aufregend mischend, der Schimmer wie von Bronze. Anders als Grigolo vor 4 Wochen operiert Beczała mit viel Formsinn und akkuratester Noblesse. Man hört sogar einen Hauch Heroismus. Selten kann man bei Puccini von Klassizismus sprechen, hier in der Staatsoper nun aber schon. Denn die spontane Gesangsgeste wird weit zurückgedrängt. Deshalb vermutlich auch das Buh im Jubel-Taifun (Taifun nach Berliner Verhältnissen, nicht nach Wiener, da hätte man sich eine Wiederholung, die ich gern gehört hätte, erklatscht) nach der Arie im 3. Akt.

Ähnlich das Spiel von Piotr Beczała, nämlich auf Nummer sicher, eine Geste hier, eine Schrittbewegung da. Kein romantischer pittore, aus dem es heraussprudelt, sondern ein arrivierter Maler mit hinreichender Staatspension. Dennoch ist Beczała ein Meister seines Fachs, wie es kaum einen gibt, und man ist sehr dankbar, ihn Unter den Linden zu hören. Ganz großer Stil, wie er als Dank für den Beifall nach Recondita diskret die Malvorlage busserlt.

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